Entrevista a Choclock

Ahondamos en su último disco: ‘Daltónico Pero Me Siento Azul’

Si te digo ‘R&B’ y ‘Canarias’, es imposible no pensar en Choclock. Desde sus inicios en BNMP, nos conquistó con sus pegadizos estribillos y producciones únicas. Más tarde, en su carrera en solitario, demostró todo su potencial con ‘Magua Con Miel’ (2022), y ahora vuelve a sorprender con ‘Daltónico Pero Me Siento Azul’. Este álbum no solo destaca por su sonido, sino también por su concepto, jugando con el contrasentido y el daltonismo. En esta entrevista, Choclock nos revela su visión, el proceso detrás de este proyecto, su evolución creativa y los sonidos que lo inspiran.

Me gustaría empezar la entrevista hablando del concepto del álbum. Creo que algo que te identifica mucho es la creatividad y la conceptualización que suele acompañar y envolver tus trabajos. ¿Cómo describirías o explicarías el concepto de ‘Daltónico Pero Me Siento Azul’? ¿De dónde nació la idea?

El título juega con la expresión inglesa “I’m feeling blue” que significa “me siento triste”, la cual hace referencia a dos cosas que siento muy presentes en mi proyecto: la melancolía y los colores. Me hizo gracia crear esta paradoja con el daltonismo, ya que yo mismo soy daltónico y hacía que el título se sintiese más personal, dándole un mínimo de narrativa al proyecto. La frase en sí puede tener muchas interpretaciones, pero eso lo dejo en manos del público.

Es muy curioso que decidieras lanzar el álbum en el que se considera el día más triste del año, el ‘Blue Monday’. ¿A qué se debe?

Me pareció una buena forma de terminar de cerrar el proyecto. El día del release es un día muy importante y salir el Blue Monday terminaba de explicar por sí solo el sentimiento de “sentirse azul”. Eso, sumado a la energía nostálgica que hay ese día, me hizo pensar que la primera escucha del álbum iba a ser más especial para mucha gente.

En tus inicios con BNMP, siento que vuestra forma de trabajar era muy colaborativa, todos os producíais y componíais temas el uno al otro. ¿Cómo crees que esto ha afectado al desempeño de tu carrera y de un álbum tan maduro y sólido como ‘Daltónico pero me siento azul’?

Siempre estaré agradecido de que en aquella época nuestra mente hiciera el click de quitarle el ego a la creatividad y abrazar la idea de que muchas cabezas hacen cosas más especiales que una sola. Esta forma de trabajar me acompaña desde entonces y siempre es algo súper enriquecedor para todos los proyectos.

En este disco conté con Kevin Díaz para muchos arreglos de piano en distintas canciones, Mario Kun y Svarez me ayudaron en muchas melodías y letras, y un largo etcétera de productores y escritores que se sumaron al proyecto aportando su granito de arena para elevarlo.

Al final, siendo yo productor y escritor, todas las ideas las suelo empezar o terminar yo solo para timonear el sonido y diálogo del álbum, pero durante el proceso me suele acompañar gente a la que admiro que lleva las ideas a terrenos donde igual yo solo nunca hubiera podido.

¿Crees que has evolucionado? ¿Cómo has vivido este proceso y cuáles son las principales muestras de ello?

Pues el proceso para encontrar lo que quería hacer con este disco fue un poco tedioso y fui dando muchos palos de ciego hasta que empecé a entender qué es lo que quería hacer.

Para mí ha sido una evolución que igual me aleja ligeramente del RnB acercándome un poco más a la electrónica e incluso al pop, pero desde que empecé a trabajarlo hasta ahora que ya salió, mis inquietudes musicales también están evolucionando hacia otro lado y tengo más ganas que nunca de sorprender con el próximo proyecto que saque a la luz, que ya les adelantó que no va a tener nada que ver con DPMSA.

Echando una mirada atrás ¿Cuál piensas que es la principal diferencia entre este álbum y ‘Magua Con Miel’?

 Para mí la principal diferencia se nota en las producciones. Y no tanto a nivel de composición, sino por el contexto de los sonidos y los ritmos.

‘Magua Con Miel’ es un álbum mucho más orgánico, lleno de guitarras y baterías más “reales”. En este último disco quería desprenderme un poco de todo ese mundo y llevar el sonido a un terreno más electrónico, pero que a nivel de composición tuviera coherencia con MCM. De ahí que haya tanta presencia de generos como el UK Garage, porque es el punto intermedio entre ritmos de electrónica y melodías RnB.

¿Qué influencias te han llevado a convertirte en uno de los abanderados del R&B en España?

En las entrevistas siempre me ponen esa etiqueta y lo agradezco, pero al mismo tiempo me da un poco de respeto porque, aunque mi proyecto beba mucho del RnB, no es RnB puro, lo fusiono con muchísimos géneros constantemente. Así que no sé hasta qué punto puedo llegar a ser un referente de un género al que diluyo siempre con otros, pero igualmente gracias por tenerme en tan alta estima.

En cuanto a referencias, son muchas y varían por proyectos. Para este disco en concreto escuché muchísimo a Pinkpantheress, Aminé, Kaytranada, Oklou, Lido, Sam Gellaitry, entre otros. Pero las referencias que siempre me persiguen son Frank Ocean y Tyler The Creator.

Has adoptado sonidos de UK garage, trap e incluso afrohouse en este álbum. ¿Qué tan necesario o qué importancia tiene actualmente la fusión de géneros musicales? ¿Quién crees que es el mejor ejemplo de ello?

No sé si es importante o no, yo simplemente lo hago porque lo disfruto y porque siempre me encanta probar cosas nuevas. Creo que los discos con ese toque de multigénero es un sello de identidad en mi carrera y, a mi parecer, es algo que muchas veces ayuda a crear contrastes durante la escucha de un disco, dándole más dinámica y haciendo que sea más sencillo de escuchar y de apreciar.

Un disco de este estilo, que toca desde temas de trap hasta cosas más cercanas al UK Garage, es ‘TWOPOINTFIVE’ de Aminé con Lido en la producción. Es un álbum que aunque abarque varios géneros distintos, se siente como que todo forma parte de un mismo mundo y eso es algo que siempre intento conseguir con mis proyectos.

Es un disco en el que las colaboraciones están perfectamente integradas y ninguna desentona ¿Cómo surgió cada una de ellas?

A Mvrk le tiré directamente por Instagram en cuanto terminé mi parte de la canción. Tenía clarísimo que él era el featuring perfecto para que el tema terminase de brillar. Le gustó la idea, así que quedamos en Mécèn para terminarla y que él grabara su cacho. La energía fue increíble, nos entendimos a la perfección y disfrutamos mucho de la sesión. Es un artista con un talento enorme y solo hay que verle un rato en el estudio para darse cuenta.

Con YOSHI llevaba tiempo queriendo colaborar. El año pasado, en mi último viaje a CDMX, coincidimos en persona y pasamos la noche hablando de música. Desde entonces, teníamos pendiente hacer algo juntos. Cuando volví a España, llegué con muy buena vibra y con muchas ganas de crear, así que me puse a trabajar en un un tema pensado para que él entrara.

A Mario Kun lo conocí hace unos años en Tenerife, aunque en ese momento no tuvimos mucha relación. Más adelante, cuando yo ya vivía en Madrid, me escribió para hacer música juntos. En solo dos días sacamos dos temas que me encantan, uno de ellos es ‘Throwback2020’. Desde entonces, empezamos a vernos con frecuencia y terminó convirtiéndose en una pieza clave del disco, escribiendo conmigo en gran parte de las canciones.

Y sobre Cruz Cafuné, poco hay que decir. Nos conocemos desde el instituto y lo primero que nos unió fue la pasión por la música. Nunca imaginamos lo mucho que nos cambiaría la vida esa conexión. Cada vez que nos juntamos en el estudio, es como si el tiempo no hubiera pasado.